cat80 影评_

1.B级片的产生及生产

2.捷克新浪潮的主要人物

3.推荐几部法语**?

名称:佩德罗·阿尔莫多瓦 (Pedro Almodovar)

职业:**导演

佩德罗-阿莫多瓦1949年9月24日出生于西班牙卡拉特拉瓦省(Calatra)的一个贫穷的小村庄卡尔泽达(Calzeda)。在传统的西班牙家庭里长大的佩德罗，童年时就与教徒们一起学习、在唱诗班里唱歌，总感觉到与伙伴们有点格格不入。他后来谈及这段生活时声称，'对我来说，在这样的环境里长大就像在阿瑟国王皇宫里的一个宇航员一样。'12岁时，佩德罗看了理查德-布鲁克斯(Richard Brooks)的情感片《朱门巧妇》('Cat on a Hot Tin Roof')，便下定决心一生做一个信徒，因为自己的一生是'罪恶和堕落的一生'。这以后，十几岁的佩德罗观看了许多比利-威尔德(Billy Wilder)、道格拉斯-瑟克(Douglas Sirk)、艾尔弗雷德-希区柯克(Alfred Hitchcock)、路易斯-布努艾尔、布莱克-爱德华兹(Blake Edwards)和新写实主义马科-费雷里(Marco Ferreri)以及费尔南多-费尔南-戈梅斯(Fernando Fernan-Gomez)等导演的影片，并深受影响，决定做一个**人。1969年，佩德罗-阿莫多瓦离开了故乡卡拉特拉瓦，前往马德里发展。

由于没有钱上大学，加上70年代初，佛朗哥关闭了所有的**学院，阿莫多瓦只能沿街叫卖书籍糊口，后来他进入了国家电话公司，在哪工作了10年。在这段时间里，他白天在电话公司工作，晚上编写故事、嘲讽新闻以及其他文章换取点稿费，同时拍摄了一些超8毫米短片和长片。1980年，他根据自己为一本科幻杂志编写的同名，编导了第一部登堂入室的喜剧片《烈女传》('Pepi, Luci, Bom')。《烈女传》是一部的讽刺剧，影片给了佛朗哥时代的西班牙社会一记响亮的耳光。影片公映，引起了巨大反响。二年以后，阿莫多瓦推出了他第二部编导的喜剧片《迷宫》('Labyrinth of Passion')，影片中再次体现出了那种及时行乐以及性乱的题材。在西班牙日新月异的反文化潮流时代，他早期制作的这些**得到了传媒和大众的认同，他一举成了70年代后期西班牙新潮流运动的新星。但是也有许多对西班牙'质量'**有偏见的评论家对阿莫多瓦的作品不屑一顾，认为他太现代、太浮夸。

作为对这些评论的回应，阿莫多瓦推出了《黑暗的习惯》('Dark Habits'，1983年)和《我为什么命该如此》('What He I Done to Deserve This?',年)二部影片。在《黑暗的习惯》中，他探索了那些生活在社会边缘的修女们的生活，描述一位妇女被迫当修女的故事。《我为什么命该如此》则讲述了家庭主妇日常生活的辛劳，内心的痛苦与挣扎。这类关于被欺压的家庭主妇主题和其它有关妇女独立、自立的题材后来在他的影片中出现多次。1986年，佩德罗编导了著名影星安东尼奥-班德拉斯(Antonio Banderas)首次担纲主演的剧情片《斗牛士》('Matador')，影片探索了性和死亡的关系，并向观众描绘了多种性关系，包括恋物癖、同性恋、窥阴癖、恋尸癖，更加深入了演绎的及相关的法律问题。这些敏感的题材在他1987年编导的爱情喜剧片《欲望规则》('Law of Desire')中再次被提及，只是这部影片中还增加了点调料--公开的同性性行为，安东尼奥-班德拉斯在片中饰演了同性恋者安东尼奥。接下来安东尼奥还主演了佩德罗编导的下一部影片《濒临精神崩溃的女人》('Women on the Verge of a Nervous Breakdown',1988年)。这部影片尖锐地涉及到了对女性的性特征和欲望的敏感题材，是佩德罗本人最为满意的一部女性题材影片，也牢固确立了佩德罗-阿莫多瓦'女性导演'的地位。此片为他赢得了国际影坛上诸多声誉，并在国内市场上创下了780万美元的票房收入。这一数字是当时西班牙**史的最高纪录，并保持了10年之久。

随着佩德罗-阿莫多瓦在女性**方面的成功，他接着转而拍摄了一部荒诞、怪异的影片。1990年，他编导了片《捆着我，绑着我》('Tie Me Up! Tie Me Down!')，这部影片讲述了一位著名的女影星爱上了、并劫持她为人质的歹徒。此片在西班牙评论界遭到了一致的排斥，评论家们指责他失去了当导演的感觉。影片也曾在美国引起了热烈的争论，受到了女权主义者和保障妇女利益团体的谴责。这部影片是佩德罗与安东尼奥-班德拉斯的第5次合作，俩人的第一次合作来自于《迷宫》，当时刚出道的安东尼奥只是有几幕过场戏的配角。正是俩人的这几次合作，造就了享誉国际影坛的'西班牙情人'。佩德罗编导的后二部影片：情爱凶杀片《高跟鞋》('High Heels',1991年)和爱情片《基卡》('Kika',1993年)得到的评论与《捆着我，绑着我》如出一辙。《基卡》更是因为片中的场面令人反感，并在美国遇到指责。

1995年，佩德罗-阿莫多瓦改变了编导风格，推出了影片《窗边的玫瑰》('The Flower of My Secret')。这部心理题材的影片爱到了众多影迷们的追捧，认为这是他至今拍摄的最成熟的一部影片。在片中他所塑造的男主角形象也发生了改变，一改早先影片中时尚男孩的形象，刻画了一位全新的正派男人。佩德罗编导的下部影片《颤抖的欲望》('Live Flesh')也沿袭了这个风格。这部改编自鲁思-伦德尔(Ruth Rendell)的同名，由西班牙著名演员贾维尔-巴丹(Jier Bardem)主演。影片探索了爱情、迷失和苦难，这些题材在他早期的作品中很少见到。

1999年，佩德罗-阿莫多瓦编导了一部严肃的剧情片《关于我的母亲》('All About My Mother')，叙述的是女主角为身亡的儿子寻找素未谋面生父的故事。在这部影片中，阿莫多瓦重新展现了他一贯的执导风格，即使在一个残缺不全的家庭中也同样存在着传统的姐妹情谊、家庭力量。由于贝特-戴维斯(Bette Dis)、罗米-施奈德(Romy Schneider)和吉纳-罗兰(Gena Rowlands)的精彩演出，影片在1999年第52届戛纳**节首映时赢得了好评，阿莫多瓦也获得了最佳导演奖，以及第53届英国学院奖最佳导演。该片还获得了2000年第57届金球奖和第72届奥斯卡奖的最佳外语片。

2002年，佩德罗-阿莫多瓦推出了他的最新力作《对她说》。这部影片讲述了两个男人如何爱女人的故事，是一部关于友情、爱情、寂寞、生存和交谈的影片。佩德罗花了很大的篇幅来描写间的友谊。虽然，佩德罗这回想拍摄一部男性题材的爱情片，但片中无不体现他对女性的痴爱，以及他一贯追求的细致与敏感。阿莫多瓦也凭借此片获得了第15届欧洲**奖、洛杉矶影评人协会最佳导演，第56届英国学院奖最佳编剧，以及第75届奥斯卡奖最佳导演和最佳编剧的提名。

除了在**创作上屡有让人耳目一新之外，这位西班牙**大师在其它方面也常有惊人之举：他是80年代初西班牙首都常被人评头论足的'阿莫多瓦&麦克纳马拉'('Almodovar & McNamara')二人唱组合的主唱歌手。他还在自编、自导、自制的影片《迷宫》中，化着浓妆、穿着女装，大胆地以女人的造型出现。1987年他还和弟弟阿古斯汀-阿莫多瓦(Agustín Almodovar)组建了颇具实力的家族式'欲望无限'**制作公司(El Deseo,S.A)。

B级片的产生及生产

Garfield (Murray) is a fat cat who loves nothing more than laying about and eating lasagna, but when his owner, Jon (Meyer) gains a dog as a new pet, Garfield feels left out and would constantly try to be the better pet. But locking Odie out the house and causing him to run away, Garfield decides that the best move is to finally get off the couch and rescue Odie.

As a standalone model Garfield looks good, but amongst the live action environment, blends in very poorly with a poor script and bland characters. Will be enjoyed by children, but adults will find little out of it.

捷克新浪潮的主要人物

B级片的产生及在好莱坞的地位 对好莱坞的大制片厂而言，由大明星或知名导演拍摄的A级片当然是公司声誉和收入的主要源泉，但是投资大、制作周期长，风险也大。相反，B级片成本低廉、制作周期短，甚至可以利用其它影片的服装、道具等，可以起到充分利用公司、加速资金周转、平衡投资风险的作用，而且训练了一大批技术人员。而那些实力无法与大制片厂抗衡的小制片公司更是B级片生产的主力军。

B级片是经济大萧条的产物，30年代初的3年，每周观众人数从1亿一千万降到6000万，**公司为了赢得观众推出双片（double bill）的放映制度，基本上就是一部正片加一部B片。1935年10月RKO和MGM在自己的一线推出双片放映，算是B片正式登台，一年之内四分之三的都纳了双片制。原来的，一晚上一般是一部正片，一部新闻片，一部卡通片加预告片打成一个包，把卡通什么的升级成一部70分钟左右的低成本正片，算是吸引观众的方法。B就这么出现了，至于为啥叫B，没有统一的说法，以前别人跟我说的是A/B，就是double bill的两部片子。也有说是Bottom of the bill等等。

说到B级片，大家都会有那么一个粗略的印象：粗野、直接，感官刺激强烈，题材总是离不开恐怖、暴力与。这个起源于好莱坞黄金时代的片种，其实从一开始就寡廉鲜耻，它的出身就决定了这一点：一张**票钱可以看到两部**，主片制作精良，简称A级片，附赠B级片成本自然低廉，但为了吸引观众，还得想招儿，所以就不得不拿、血腥、恐怖等元素来做文章。

一个很严肃的问题是，为什么一定要拿、血腥、恐怖来作噱头？答案很简单，因为它们有效。为什么有效？因为它们本质。换一种说法，这些东西是我们根深蒂固的本性，所以不用花什么心思，稍微挑逗一下就OK了。所以永远存在着两种**，一种试图带我们超出肉体的界限，体验一种美的东西；一种让我们回到肉体，感受欲望的脉动。前一种让人尊敬，后一种能让人得到发泄，B级片无疑属于后者。但不带个人偏见地说，这两者本身没有高低之分。就如同爱情片与片，一个作用于精神，一个作用于肉体，一个是让内心得到安抚，一个是让身体的紧张状态得到纾解，两者都对人有益。

记得一本书里说：文明，就是把真实包装起来，免得看起来恶心。这话很对，我们不是受虐狂，想过得干净一点。但有一个问题，就是时间长了，人就会变得难以面对真实或者认为真实就是这样，然后难免有些惺惺。就像尼说的：虫子怕被踩到，就把身体蜷起来，人类把这叫作谦恭。

在**中，我们经常能发现这样的东西，有着精美的外壳，但内里所要表达的东西却始终透着一种腌臜之气，憋着劲勾起你下半身的欲望。每当这个时候，我就情愿去看一些更为污秽血腥的B级片。这是，B级片就像一剂解毒药，因为它非常直接地展示自己地兴趣品位，在这个惺惺的世界里，显得勇敢，甚至单纯。

B片其实很受的欢迎，尤其是在南方。这是因为那些大片在分帐上是亏的，片子卖得越好，**公司提成越多，到最狠的卖座片可以留一成给。但是B片是一次付清的，一般成本是7万美元，**公司赚1万，**院想怎么放怎么放。看Lubitsch的片子反而不如情节简单俗套的**更爽。**院会在周中放映单片，而把周六晚上完全送给B片。 B级片的生产可以分成体系内和体系外的 一般大片场都有B unit，由专人负责。Paramount是Sol C. Siegel，Warner是Brian Foy，MGM是Lucien Hubbard和Michael Fessier，Columbia是Irvin Briskin，Fox是Ben Stoloff和Sol Wurtzel。Wurtzel这个名字读着好像worse，所有有个笑话叫“from bad to Wurtzel”。可见B片之B。

片场的B unit的基本工作感觉比较像块抹布或者海绵，把那些overhead全吸走。一般B片的B可以从员工，故事，成本，周期等来看。演员一般要么是过气的，要么就是没名气的。比如Bela Lugosi，30年代就开始B了，可见他衰落的有多快。Wings里的男主角Richard Arlen，也是B片老手。新人就不用说了，无数明星都在B片干过，反正都是合同工嘛。导演，编剧也一样，Wyler, George Stevens，E Dmytryk, Fred Zinnemann, Jacques Tourneur, Jules Dassin，Mark Robson，Robert Wise，Anthony Mann。从这点说，片场有自己的一套培养人的体系。不过也不乏永远培养不出去的B片专业户。偶尔B片还有一个作用，就是教育一些脑子突然进水的人，比如Bogart就被罚过。

B片故事当然也是直接非常老套的公式化生产，片场比较常见的就是把自己的片子改改背景就上了。毕竟B片的准备时间只有一到两周。很多时候就是为了利用别的片子的场景，比如Magnificent Ambersons的房子就被用到了Cat People里。B片为了省钱，还大量利用片场现成的素材，有时候会刻意让角色的穿着去跟某些影片剩下来的素材匹配。拍摄周期就更短了，一般就是一个星期。毕竟经费少，利润空间也小，定死了的一万多，补拍两下就赔本了，很多时候就是拍到哪里算哪里。

独立制片的公司其实从成本，拍摄上都跟大片场类似，经费甚至更少。没有现成布景利用，常常就是一个场景用背投解决一切。30年代的小片场起起伏伏后，到40年代形成了三个主要的片场：Republic，Monograph，和PRC (producers releasing corporations)。像Edward G Ulmer就是在PRC。他说他们通常是一次想出几十个**的名字，就把这一年要拍的片子定下了，然后在往名字里塞故事。比如他看了Billy Wilder的Double Indemnity，就想出了一个Single Indemnity，不过，片子拍完了后，还是把名字改了。Ulmer还利用John Ford的Hurrican拍摄后剩下的200颗棕榈树模型拍摄了一个大饭店的古巴版：Club Hana。比起大片场体系内的B片，Ulmer觉得独立制片的B片创作自由度更大，除了经费问题，他们从来没有遇到过其它对内容的控制。经费怎么影响呢？比如一个服务生的角色，如果没有对白，就是16块5，如果他说了一句thank you，就是25。为了省这8块5，编剧/导演就得设计点情况让角色比如嗓子坏了啥的，不能说话。

Monogragh的主要手法是拍系列片，他们有个牛制片，叫Scott Dunlap，此人特别能打头炮，一部片子卖好了，接着就粗制滥造一批同系列影片，靠着头一部的名声卖钱。Monogragh还有一个自己的准B unit，专拍B片中的B片，负责人是Sam Katzman，Bela Lugosi在系列里廉价重复自己。惊悚片是B片专长，Monograph的负责人是Kings三兄弟。

独立制片公司自己没有院线，他们利用州里的规定在附近找到稳定的放映渠道。后来做得比较大如Republic和Monograph也在大城市设自己的发行代理。不过大部分公司还是依靠本地的关系户。

后来Republich破产，PRC经过一系列购并后被UA买走，Monograph更名成Allied Artists，逐渐走大片路线，50年代后它既支持Roger Corman的低成本B片，也能投资Billy Wilder和William Wyler的影片。Godard的Breathless美国发行权就被Godard象征性的送给了Monograph。

传统意义上的B片生产在50年代初解体。曾经占全国人口7成的**观众，从57年已经减到4000万，到70年代减到2000万。电视开始播出自己制作的系列惊悚片或者西部片，制作者往往就是老B片的制作者们。B片影人面临选择，他们中的一部分投诚进入了电视行业。

电视的生产非常接近B片。生产周期短，这让电视台首先想到了B片制作者。事实上，Republic标榜的5万美元成本电视也可以拿出来，只是电视台的制作周期更紧凑。资深B片导演如Lesley Selander，Joseph Kane，Lew Landers都很自然的进入电视生产，电视制作人对他们的评价是：unexciting but always reliable。到后来电视**的出现实际上是彻底的将B片移植了过来。

另一部分B片制作者开始开发新的B片，包括William Castle和Sam Kazman组合，Albert Zugsmith（此君被大部分记住是因为他之前是Written in the Wind，Tarnished Angel，Touch of Evil等经典影片的制片）, Samuel 和 James Nicholson (两人在55年建立了AIP)，当然还有Roger Corman。尽管观众人数在下降，依然有很多潜在观众群大片场不愿意开发。比如汽车，这里的观众普遍是年轻人。新的B片主要针对 america挖掘市场。科幻，恐怖，飞车，外加狂欢是常见主题。这时候的B片成本不超过10万美元，发行宣传费用大约相当。为了发片，各种耸人听闻的手段都用了，在观众座椅下接电极，穿着骷髅服在观众席间走，售卖意外心脏病保险……

10年Roger Corman因为跟AIP在Gas-s-s-s的剪辑上吵翻，自己创立了New World，以exploitation movie著称，比如护士系列和女监系列。Corman也曾短暂开发过黑人系列，但是放弃了，因为觉得这10%的观众划不来。他的销售经理总结说，影片的成功有7成在片名和宣传。Big Bird Cage的宣传语是“Women so hot with desire they melt the chains that ensle them”，Fly Me是“See stewardesses battle kungfu killers”。

New World在拍摄上坚持着40年代B片的风格，比如Peter Bogdanovich的影片Targets，其实是因为Boris Karloff欠Corman一些工时，为了扯平弄出来的。而The Terror是因为影片The Ren比提前两天拍完，为了不浪费而拍出来的。Hollywood Boulevard则完全是个赌注，公关经理Jon Dison说他可以用公司以前拍过的最便宜的片子的三分之一的钱拍一部片子，结果，就出来这么一部Godzilla和Fly一起客串的片子。Roger Corman亲自指导编剧，给他们整个框架。Jonathan Kaplan说拍Night Call Nurses时，Corman跟他开了一个工作会议，会上Corman列出了详细的需要遵守的概要：要利用男性观众的性幻想；打斗和暴力要充足；要有两条故事线，一条偏喜剧，一条要反应偏左的自由派价值观。正面必须腰部以上，背裸可以全身，绝对不能出现，片名要在影片里被利用上。 B级片名人 ed wood那样的**狂人，他对于**的执著和热爱，让人感动，也许他只是以个很烂很烂的导演，可是失败的人生和胜利的人生并无实质区别，人终归是要死的，wood在不断地拍**的过程中获得了别人难以体会的快乐，这已经足够了。 低成本影片与“大片”：良性互动营造繁荣 美国**市场如同一个生物圈，如果说每年几十部“大片”代表着狮熊虎豹等金字塔顶端物种的话；“小片”、“B级片”等为数众多的低成本影片，则代表了羚羊、斑马、鼬鼠……等多种多样、各具特色的丰富种群。它们聚集在一起，每一种**类型都拥有自己的代表作品，如同每一个生态位都拥有自己的代表物种一样，不同的特种之间相互依存、良性互动，共同构成美国**界的繁荣体系。

低成本影片尤其是B级片，很大程度上建立在对A级片的模仿之上。《侏罗纪公园》带动了《史前巨鳄》等一批低成本怪兽片的问世。《黑客帝国》推出后，那招牌式的“时间”亦出现在越来越多的B级动作片中。而在曾经一度登上北美票房排行榜榜首的体育喜剧励志片《疯狂躲避球》里，男主角在最后的决战中蒙住眼睛战胜对手，则明显有向当年《星球大战》结尾致敬的意味。所谓物极必反，模仿的极致便是反讽，在“白头神探”和“惊声尖笑”系列影片中，美国**界各路“大片”几乎尽数遭到戏弄，可以说无一幸免——于是不禁折服于美国制片人的商业头脑，同一个题材或情节，“大片”拍一遍，低制作影片拍一遍，最后还要再来一次反讽，挤牙膏的本事实在一流。

而另一方面，低成本影片又为“大片”提供了丰富的基础。大多数世界级的导演或演员都曾经从低成本影片起步，《蜘蛛侠》系列的导演萨姆·雷米当初便是凭恐怖片“尸变”系列迈出了成名的第一步。直到今天，在《蜘蛛侠2》中的“手术室大”一节中，还依稀可以看到他对于当年B级片生涯的留恋与致敬。梅格·瑞恩给观众留下最深印象的作品，是《西雅图夜未眠》和《网络情缘》这样的小成本爱情片，而她竭尽全力向“大片”冲击的《生死豪情》，却被多数影评人归为“甜姐儿”的失败之作。

从目前我国引进的美国影片的构成看，“大片”占据了其中的绝对优势。而且即使像《未来水世界》、《纽约大劫案》和《亚瑟王》这样在美国本土遭遇冰雹一样恶评的作品，也照样引进不误。然而另一方面，在低成本影片引进方面却显得过于吝啬。不但佳作基本上被排斥于国门之外，而且反而引进了像《云中漫步》、《神秘的大亨》这样从情节到表演都乏善可陈的平庸之作。 美国“小片”：观照美国社会的一面镜子 美国每年的**产量在500部左右，其中高成本的“大片”大约不到百部，另外80%都是小投资的制作。在这些影片中，有一类作品几乎处处与“大片”背向而驰。它们的投资一般只有“大片”的几分之一，极少使用一线大牌明星，情节多以贴近现实内容的爱情、家庭、青春、体育或喜剧题材为主，片长极少超过100分钟——截至目前为止，**研究者们还没有发明出一个统一的名词来概括这类影片。为了便于叙述起见，本文特别统称其为美国“小片”。

在美国**市场上，各路“大片”往往只在暑期和圣诞档引领三四个月的风骚，其余广大的区域，则几乎全被各种各样的“小片”所占据。“小片”也有自己的领地划分。尤其是从每年2月份开始，恰逢情人节和新学期开学，爱情与青春片便成为这一时期的主题。04年放映的《高校天后》、《坏女孩》、《女孩梦三十》等影片便都属于此类，浪漫爱情和艳光四射的青春美少女成为其中最大的看点。

“小片”中的价值观往往趋向于传统，很少有《黑客帝国III》或者《现代启示录》那种激越反叛的主题存在。清教徒的道德观是这类影片的主流色彩。《偶像有约》和《儿女一箩筐》对爱情、友谊和事业的忠贞，《新秀》和《温布尔登》中的个人奋斗与自我牺牲精神，既是美国社会的精神基石，更是美国“小片”的内涵指南。从某种意义上讲，众多美国“小片”宛如观照现实美国社会的一面镜子，在描述现实生活的同时，寄寓了普通人最美好的幻梦与理想。

因此也就很容易理解了，为什么一些几世纪前的童话母题，却往往能在美国“小片”中找到宿主。仅一个“灰姑娘”的类型，近几年便有《曼哈顿女佣》、《王子与我》和《灰姑娘的玻璃手机》等多部作品问世。体育类与励志类的影片由于迎合了现代观众的理想和口味，也一直层出不穷。更有不少表现“体育运动中的女人”的小制作影片，由于糅合了美国“小片”中永恒的两大主题，更是颇受欢迎。《女生出拳》、《乔丹传人》和《背绳一战》等影片，便是其中的代表。但若由此认为美国“小片”都是千篇一律的泡面式作品，则未免失之偏颇。像《初恋五十次》这样的影片，巧妙地把爱情放在“失忆”的反应皿里考验，就创意而言着实新奇。

除此之外，美国“小片”还往往是美国流行文化的晴雨表，凡是曾经或正在风行的文化产品，几乎都可以在“小片”中找到自己的影子。最好的例子便是《八英里》中的说唱，《摇滚学校》中的民间乐团，以及《闪电舞》等一批劲舞影片等。 如本文开头所述，所谓美国“小片”是指在主题方面与“大片”主题有较大差异的一类小制作影片。除此之外，另一些影片的成本虽然只有“小片”的水平，但在情节和内容上却完全朝着“大片”看齐。这便是通常所说的“B级片”。

推荐几部法语**?

(1929年 - )

曾从事纺织、照片润饰、场记和时装的工作，50年代末与其他捷克新浪潮同道进入FAMU**学校学习。她的毕业作品《屋顶》（Strop, 1961）允许同她的第二部作品《一袋跳蚤》（Pytel blech, 1962）同时在国内发行。两个短片－她的第一个长片是《别的什么》(O necem jinem, 1963)－深受法国和美国真实**流派的影响并在叙事上运用了记录片式的手法。尽管她早期作品中包含许多激进内容，然而与她第二个长片《雏菊》 (Sedmikrasky, 1966)中的那些创新手法相比则显得苍白无力。**是对于两个空虚放纵的年轻女人和她们怪异举止的片段式的、令人眼花缭乱的超现实主义描写。该片利用的抽象派拼贴画的手法和表现主义技术显露出西蒂洛娃作为一名大胆的艺术革新家和**颠覆性分子的潜质。《雏菊》完成后立即遭到当局禁映直到1967年解禁并得到世界范围内评论界的喝彩。西蒂洛娃的名字旋即变成了捷克新浪潮－一个她在后来的一部亦异常特殊的**《天堂的果实》(Ovoce stromi rajskych jime, 1969)中提出的概念－中形式主义先锋派的代名词。在1968年8月苏联颠覆杜布切克后，西蒂洛娃被禁止从事**拍摄工作。15年禁令取消后，她又通过《苹果游戏》(Hra o jablko, 16)重新回到了她的**工作中，并至今仍在捷克共和国进行**拍摄。 (1932年 - )

自捷克新浪潮中诞生的最具国际知名度的导演便是米洛斯·福尔曼。在纳粹占领时期沦为孤儿的他由他那些叔叔们抚养长大，直到他考进FAMU**学员编剧系（因其得到戏剧系的录取）。1957年毕业后，他在捷克**界摸爬滚打了多年，直到他的处女作《竞赛》(Konkurs)和《如果没有音乐》(Kdyby ty muziky nebyly)以《竞赛》的名号上映才打破沉寂。福尔曼与众不同的风格－混杂着黑色幽默和日常生活的艰辛审视－从初期便露出了锋芒。这些签名式的风格在他的第一部真实**式的，讽刺阶级斗争并用实景和非职业演员拍摄的长片《黑彼得》(Cerny Petr, 1963)中得以尽显。《黑彼得》赢得了当年捷克**评论协会奖，而接下来在1965年获得奥斯卡最佳外语片提名的《金发女郎之恋》(Lasky jedne plovlasky, 1965)则迎来了国际性的赞誉。作为一个对于孤独和欲望的喜忧参半的行为学研究文本，《金发女郎之恋》不久便被公认为捷克新浪潮的范本，并因其那种乍看独特然对社会具普遍代表性的人物生活的亲切而细致地描述得到了世界范围的拥戴。福尔曼接下来的一部**是政治倾向明显的《消防员的舞会》(Hori, ma panenko!, 1967)，其不加掩饰的对于捷克当局的讽刺使其被总统诺沃特尼临时禁映。《消防员的舞会》作为福尔曼在捷克斯洛伐克的最后一部作品亦赢得了奥斯卡的提名。1968年俄国坦克开进布拉格后他被迫离开捷克斯洛伐克前往美国，至今生活于彼，并拍摄了许多脍炙人口的作品如《起程》、《飞跃疯人院》、《爵士年代》、《安魂曲》以及最近的《月亮上的男人》。 (1926年 - )

与其他国家的新浪潮运动不同，捷克新浪潮并未摒弃前辈们的**传统和风格。恰恰相反，捷克奇迹中吸收并包含了这些前辈导演的功劳。其中一位在**技法上具有创新性并成为新浪潮支柱的老兵便是沃依克·雅斯尼。作为捷克第二代导演（一股在1956年解冻后诞生的**力量）中的中坚力量，雅斯尼被称为捷克的第一位**作者并率先进行捷克独特**语言探索的导演。雅斯尼最具突破性的作品《九月的夜晚》(Zarijove Noci, 1957)是对被国防部长下令开脱的军队的大胆而直接的控诉。而后一部作品《欲望》(Touha, 1958)则是一首关于季节和人生的平行叙述的**诗。《欲望》重新唤起了被苏联社会主义现实主义长期压制的捷克**中的抒情风格。尽管雅斯尼是捷克**奇迹一代中的先导，但是他随即变成了其中的参与者。在他高度风格化的《卡桑德拉猫》(Az prijde kocour aka That Cat, 1963)中，雅斯尼更加偏离官方规定的新斯大林美学章程，将政治寓言和现代童话故事巧妙结合使其赢得嘎那**节特别评委会大奖并成为捷克新浪潮萌芽的催化剂。雅斯尼另一部赢得戛纳**节肯定（最佳导演奖）的**《我的父老乡亲》Vsichni dobri rodaci, 1968)被认定为其个人生涯中最具代表性的作品。捷克新浪潮的末期的这部作品－《我的父老乡亲》，是献给战后与雅斯尼共同接受社会改造的摩罗万原住民的一曲悲哀的挽歌。 (1935年 - 2001年)

亚洛米.涅尔斯以他那部在政治上和形式上均十分大胆的FAMU毕业作品《迷失脚步的走廊》(Sal ztracenych kroku, 1958)步入捷克影坛，并迅速因此片使自己成为重要的新秀。尽管如此，然而真正将涅尔斯推到捷克斯洛伐克**前台的却是他的另以部作品《哭泣》 (Krik, 1963, aka The First Cry)。作为最初几部昭示捷克斯洛伐克新**景象到来的影片之一（还有乌尔的《巢中的日出》(Slnko v sieti, 1962)和西蒂洛娃的《别的什么》(O necem jinem, 1963)），《哭泣》用一种复杂的没有明显年代顺序的方式讲述了一对年轻夫妇和他们孩子的感人故事。尽管里面有狡猾的政治暗示和背离社会主义现实主义主旨的手法，但是捷克当局对涅尔斯同辈的那些人的激进行为正顾之不暇，所以没有把此片放在眼里；事实上反而高度赞扬了此片并把它作为推广积极普及**制作 的典型。涅尔斯对此评价感到十分不适便开始饶有兴致地在其后来的剧本写作中大谈政治。坚决而毫不妥协的影像使涅尔斯的剧本一再被党政检查机关枪毙；尽管他在捷克**界依旧十分活跃，但是他被禁止拍摄长片四年之久。杜布切克倡导的短暂的民主化进程使涅尔斯重新回到了工作岗位并拍摄了一部改编自米兰昆德拉严厉控诉斯大林的的批判现实主义**－《玩笑》。尽管玩笑火药味十足（这部**在其多年后出版的官方传记中被抹去），但是涅尔斯这个儿 却是在1968年8月俄国入侵和其后正常化的几年中唯一依旧被准许拍**的捷克新浪潮干将。他接下来的一部作品《瓦莱里和她的奇迹一周》 (Valerie a tyden divu, 10)是一部照片式的超现实主义吸血鬼的故事，是涅尔斯回归诗化影像风格作品，涅尔斯在其后的捷克共和国拍片不辍直到他于2001年十月去世。 杨·卡达尔 (1918年 - 19年) & 爱尔玛·科洛斯 (1910年 - 1993年)

尽管杨·卡达尔和爱尔玛·科洛斯的合作拍片生涯远在新浪潮诞生前便已经开始，但他们依旧因其在五六十年代那些批判性和革新性的作品被认定为这个运动中的一股力量。卡达尔的第一部长片Katka (1950)，是一部表面上讲述一个农村女孩成为工厂工人的良性故事。因题材表面上具有的争议性，使其。被认定为资产阶级作品并将卡达尔开除出斯洛伐克本土**业。随后卡达尔来到捷克**工作室欲谋份差事，就是在那他结识了捷克**界老将爱尔玛.科洛斯，并开始了两人长达17年的合作经历。他们的第一部作品《》(Unos, aka Kidned, 1952)明显是反资产阶级的，然而当局却依旧指摘该片具有资产阶级自由化倾向，在苏联导演普多夫金的干预下本片才得以解冻。他们的第二部作品《来自火星的音乐》(Hudba z Marsu, 1954)是部音乐喜剧，然官方评论认为该片有影射社会要人之嫌。《终点站的房子》(Dum na konecne, 1957)侥幸躲过了当局审查，而《三个愿望》(Tri Prani, 1958)却被当局封杀并使两人被停职两年。之后两年变成了五年，直到1963年他们拍摄讲述游击队战斗故事的《死亡在召唤恩戈尔琛》(Smrt si rika Engelchen)，以及接下来的批判斯大林主义的影片《辩护人》(Obzalovany, 1964)，而让两人获得国际好评的**则是《大街上的商店》(Obchod na korze, 1965)－首部赢得最佳外语片学院奖的捷克斯洛伐克**。表面上《大街上的商店》讲述的是在法西斯主义时期在斯洛伐克遭受迫害的犹太人的境遇，而往下深究便能唤起所有的欧洲人关于形成和巩固政治迫害应负的责任感。两人最后一部合作的**《被欲望驱使的安娜达》(Touha zvana Anada, 1969)，一部在形式上和结构上均十分复杂的关乎幻想和性沉沦的**卡达尔于10年移民美国，并在那完成了他最后两部作品《天使莱温妮》（10）和《父亲的谎言》（16）。 (1938年 - )

耶日·闵尔1963年从FAMU**学校毕业，在为西蒂洛娃当了多年助手和出演Evald Schorm的**之后，他拍摄了名为《巴尔塔扎尔先生之死》，一部根据捷克作家Bohumil Hrabal的短篇集《深处的珍珠》(Perlicky na dne, 1965)改编的**。《巴尔塔扎尔先生之死》(Smrt pana Baltazara)从五部短篇中脱颖而出被多人赏识，也使导演理所当然地引起了人们的注意。而闵尔的首部长片《严密监视的列车》(Ostre sledovane vlaky, 1966)才使他扬名立万。由Hrabal同名改编的这部**因其对喜剧、悲剧和日常生活的关注的艺术化综合被肯定为捷克新浪潮的作品。这个讲述二战后成长起来一代人的苦忧参半的故事获得了国际好评并赢得了1967年的学院最佳外语片奖。《严密监视的列车》中那种悲喜交集和富于同情审视的风格在他其后的一部作品《无常夏日》(Rozmarne leto, 1967)亦有体现。闵尔的音乐片《夜总会的罪恶》(Zlocin v santanu, 1968)又在捷克斯洛伐克掀起了不小的波澜。闵尔接下来拍摄了另一部改编自Hrabal的**《一排云雀》(Skrivanci na niti, 1969)被当局禁映。闵尔因此被禁止拍**直到16年推出《森林边的隔离带》(Na samote u lesa)。在过去的25年间闵尔依旧活跃在布拉格的**和戏剧舞台上。 (1936年 - )

被称为捷克新浪潮中可怕的孩子的杨·涅麦茨在其FAMU的学生时代便也是一个打破爹府颠覆和大胆的实验者。他的处女作，讲述二战时期两个逃离纳粹死亡集中营的孩子的故事《夜晚的钻石》(Demanty noci, 1964)便给人留下了深刻的印象。影片虽是个残酷的现实故事，但在涅麦茨的手中却使之变成了贯穿两个男孩的主观经验的惊心旅程，通过一系列的幻想和梦魇来唤醒他们心中的绝望和痛楚。影片赢得了诸多国际奖项并为涅麦茨的下部影片，与其继任妻子，设计师兼艺术指导伊斯特.克鲁巴卓娃首次精诚合作的《聚会上的报告和嘉宾们》(O slnosti a hostech, 1966)打好了基础。《报告》一片运用了与米洛斯.福尔曼完全对立的现实主义手法，以带有原罪式的高度风格化的审视态度描述了一个关于人与人之间相互影响和对统治阶级意识形态妥协的卡夫卡式的寓言剧。该片也许是新浪潮中最具政治危险性的**，当然是立即被禁映并遭受审查机关的公开指摘。与西蒂洛娃的《雏菊》一样，《报告》成了1967年五月捷克国家集会中声讨捷克新浪潮的借口。杜布切克仔8年一月当政后，该片在涅麦茨和克鲁巴卓娃描述的超现实主义影片《殉爱者》(Mucednici lasky, 1967)上映后得以发行。苏联入侵捷克斯洛伐克后，涅麦茨的名单容登黑名单之首。涅麦茨最终离开故土，在70年代和80年代晚期为英德美拍摄电视记录片，直到1989年回到捷克共和国继续他的**生涯。 (1931年 - 1988年)

伊凡·绍姆常被称作新浪潮的良心，他避开了西蒂洛娃和伊尔斯的形式化风格及福尔曼和闵尔的日常纪实主义，代之以拍摄代有明显政治内容的传统剧情片。绍姆1962年从FAMU毕业，首部长片为1964年的《每天的勇气》(Odvahu pro vsedni den)。一个讲述共产主义青年骨干在体制压迫下崩溃的具有政治煽动性的故事，亦显示出绍姆强硬的对敏感题材毫不畏惧的道德主义倾向（路德维西.巴克夫斯基因拒绝批判此片被解职。）《每天的勇气》赢得了1965年的捷克**评论协会大奖（而绍姆拒绝接受这个奖项）并最终得以发行，但前提是发行中不能进行公开宣传和广告宣传，从而注定了本片的票房失败。绍姆接下来的一部影片《浪子回头》(Nrat ztraceneho syna, 1966) 被认定为他个人的一部杰作，是60年代捷克最好的**之一。影片讲述了一个男人的故事：已有的社会规范判定了他的道德罪过，而他的无意妥协于此令他陷于精神的囹圄.接着绍姆拍摄了一个改编自成年少女晦涩的作品《被通缉的五个女孩》(Pet holek na krku, 1967)和改编自宗教讽刺《牧师的末日》(Konec farare, 1968)的**《第七天，第八夜》(Seamy den, soma no, 1969)，该片在10年被捷克当局永久封杀，绍姆被禁止从事拍片工作。在其死前不久的1980年代末这个权利才得以恢复。 (1930年 - 1993年)

史蒂芬·乌赫尔的第一部作品《9A时代的我们》(My z deviatej, 1961)是一部特别为儿童而作且关于儿童的影片。这部**是高度风格化及反传统的，但Uher的下一步影片--突破性的《网中的阳光》--是一重大进步。《网中阳光》通常被认作是捷克新浪潮的开山之作，是永远改换捷克斯洛伐克**面貌的、大为创新的成就之作。在他对试图改变人生境遇的青年人的日常生活的描写中，乌瑟尔明显地自正统的社会主义现实主义手法偏离而出，创造了一部结构激进且高度主观的**，而且此片将关注点聚焦在经年维持的、极度个人化的之上而非社会主义社会的建设之中。此片曾被抨击为反社会主义并在布拉迪斯法拉（捷克斯洛伐克中南部城市）被禁演，但在1963年，一群捷克影评人在布拉格组织了一场庆祝性质的放映会，之后并以压倒性的多数肯定了它的艺术价值。在取得这个评论上的拥护后，《网中阳光》成为了捷克斯洛伐克**界颠覆性狂潮的象征。乌瑟尔在之后一系列影片中延续了他招牌式的超现实主义，这些影片包括：《器官》(Organ, 1963)、《非凡的处女》(Panna zazracnica, 1966)和《三个女儿》( Tri dcery, 1967)。与其同代影人不同，乌瑟尔在捷克斯洛伐克被许可指导影片的时期贯穿整个七十年代，并延伸至八十年代。

◆喜剧◆

◇《TAXI》系列（共三部）：法国**史上最卖座（观影人次最多），吕克．贝松 Luc Besson 担任制片编剧，拥有法国第一票房记录！

◇《你丫闭嘴》：备受中国观众喜爱的法国喜剧，主演 让·雷诺 Jean Reno 杰拉德·德帕迪约 Gerard Depardieu 也都是法国影坛大腕级的人物，搞笑而不夸张，绝对值得一看！

◇《两小无猜》

◇《任性天使》

◇《天使爱美丽》:奥斯卡最佳外语片提名；法国总统希拉克和总理若斯潘都曾在公开场合对该片大加赞扬

◇《埃及任务》：第28届法国凯撒奖 (最佳男配角、最佳美术……)取材自法国最受欢迎的

◇《皇牌警差》

◆剧情◆

◇《蓝》《白》《红》三部曲：几乎所有的法国人都知道的片子

◇《隔壁恋人》：这部片子是给所有曾经相恋过的人看的 细腻而深沉 ...

◇《非常公寓》：非常公寓，非常感觉，命运还是巧合，相爱还是错过

◇《情感》 有感觉就会有故事 …

◇《云上的日子》：三大巨星(苏菲·玛索//樊尚·佩雷//让·雷诺)倾情演绎

◆情感◆

◇《蝴蝶》：温馨童真，其插曲《Le Papillon》 最受国内法友喜爱

◇《放牛班的春天》 ：奥斯卡最佳外语片提名；奥斯卡最佳音乐提名

◆偶像◆

◇《初吻》:苏菲·玛索主演的第一部**,纳国际**节最佳影片金棕榈奖，柏林影展最佳影片，西雅图国际**节最佳**和最佳导演奖。而苏菲·玛索也凭借此片成为欧洲影坛著名的小明星!

◇《芳芳》: 爱情，总是在犹豫,其实，只是自己不敢去爱,女人无奈的叼着一根拉长的口香糖，试图贴近它的爱情,男人轻轻的后退，留给女人慢慢的等待。 ...苏菲·玛索,樊尚·佩雷主演

◆动作◆

◇《暴力13区》:2005年法国**展，最受中国观众喜爱的影片，欧洲街头运动与中国功夫的完美结合

◆人物◆

◇《凡高传》：法国**节“恺撒奖”最佳男主角。本片主要记叙了1890大画家凡高搬到巴黎近郊的奥维而，在那里度过的自杀之前几十天的生活

◆动画◆

◇《勇猛的小红狼》非常不错的一部法国动画片，无论情节还是画面；语速和句子都很适合初级＼中级法友！

◇《高卢夺宝》：幕；法、德两国首次大蹲屎献鞯亩?拮鳎?适路⑸?谥泄?

◆风情◆

◇《露点的诱惑》：法国海滩，天体浴场

◆战争◆

◇《漫长的婚约》：首次以法语原声的方式引进中国de大片

◆◆

◇《秘密》：两位失意的巴黎俪人靠着女人最原始的本钱 —— 性 ，开始进行钓金龟的行动...

◆古装◆

◇《芳芳郁金香》：中法文化年开幕**

◆记录◆

◇《迁徙的鸟》 ：唯美的画面，富有情感的镜头，是公认的世界上最美的记录片之一。世界上恐怕也只有法兰西这个把浪漫当作生命的民族才会用三年时间拍摄出这样的一部记录片.

◆综艺◆

◇《法兰西广告之夜》:法国人中的部分世界上最优秀的广告,其中还收录了一部分中国的广告片...

红白蓝系列

法国**介绍网站

://.myfrfr/frfr/service.asp?cataid=37

参考资料：

推荐几个我最喜欢的的法国** :

《天使爱美丽》Amelie

编剧/导演：让-皮埃尔·儒内Jean-Pierre Jeunet

主演：奥德丽·多杜Audrey Tautou

马修·卡索维茨Mathieu Kassovitz

片长：120分钟

类型：喜剧/浪漫

级别：待定

出品：UGC-Fox Distribution（法国）

米拉麦克斯（美国）

上映日期：2001年4月(法国)

2001年11月26日（美国）

官方网站：Amelie-lefilm/

[剧情简介]

法国女孩阿梅丽·布兰从来就没有享受过家庭的温暖，她的童年是在孤单与寂寞中度过的。八岁时，母亲因意外事故去世，伤心过度的父亲也患上了自闭症，沉醉在自己的世界里。他是一名医生，因此他除了给阿梅丽做医疗检查之外，很少和女儿接触。可笑的是，他仅仅根据阿梅丽在检查时心跳较快就断定她有心脏病，并决定将她留在家里休养。阿梅丽又被剥夺了与同龄伙伴一起玩耍的乐趣，孤独的她只能任由想象力无拘无束地驰骋来打发日子，自己去发掘生活的趣味，比如到河边打水漂，把草莓套在十个指头上慢慢地嘬等等。

终于等到她长大成人可以自己去闯世界了。阿梅丽在巴黎的一家咖啡馆里做女侍应，光顾这家咖啡馆的似乎总是一些孤独而古怪的人，他们的行为往往乖张怪癖。不过总的说来，她的生活还过得不错。但阿梅丽并不满足，她的满腔热情还不知向那里发泄呢。

19年夏天，戴安娜王妃在一场中不幸身亡。阿梅丽突然意识到生命是如此脆弱而短暂，她决定去影响身边的人，给他们带来欢乐。一个偶然的机会使阿梅丽在浴室的墙壁里发现了一只锡盒，里面放着好多男孩子们珍视的宝贝。看来这应该是一个小男孩藏在这里的。那个男孩现在或许已经长大了，早已忘记了童年时代埋藏的“珍宝”。于是，阿梅丽决心寻找“珍宝”的主人，以悄悄地将这份珍藏的记忆归还给他。而她那暗中帮助周围的人，改变他们的人生、修复他们的生活的伟大理想也开始实施了。

阿梅丽积极行动起来，冷酷的杂货店老板、备受欺侮的伙计、忧郁阴沉的门卫还有对生活失去信心的邻居都被她列入了帮助对象。虽然遇到了不少困难，有时甚至也得耍耍手段、用用恶作剧，但经过努力，她还是获得了不小的成功。

在她斗志昂扬的朝着理想迈进时，她遇上了一个“强硬分子”，她的那一套“法术”似乎对这个奇怪的男孩——成人录象带商店店员尼诺没多大作用。她渐渐发现这个喜欢把时间消耗在商店，有着收集废弃投币照相机底架等古怪癖好的羞怯男孩竟然就是她心中的白马王子……

[幕后]

这部精灵古怪、充满了奇幻想象力的影片是法国**怪杰让-皮埃尔·儒内的最新手笔。儒内早年凭借一系列颇有特色的短片确定了自己的**风格，他偏爱于那些非同寻常、甚至带有卡通色彩的人物形象和超常规的摄影角度。

他与另一位怪才马克·卡罗惺惺相惜，自80年代合作拍摄广告、音乐录影带和短片，并以这些作品拥有了鲜明的个性标记：天才的视觉创造力和浓郁的黑色幽默感。

1990年，他们合作编导的《黑店狂想曲》（Delicatessen）赢得了巨大的成功，奇谲诡异的想象力和黑色幽默、童话般的情节以及新颖独特的视觉效果获得了叫好声一片。影片得奖无数，并成为了文化潮流和时尚话题。他们也因此成为法国影坛最亮眼的新星。虽然被寄予很高期待的《失婴城》（The City of Lost Children）让评论界大失所望，但观众仍然给以极大的热情。

这两部**的成功引起了好莱坞的注意，于是这对金牌搭档分头出击，儒内接受好莱坞的邀请，拍摄了《异形4》（Alien 4）。尽管影片是由儒内单独执导，但卡罗仍然以指导的身份参与了制作。可是这部作品并没有取得预期的效果，实在只算是一部十分平庸的科幻片。在好莱坞的**工业机制中，儒内的才华难以得到充分发挥和体现。

儒内似乎也意识到这一点，他此后一直没有接片，而是埋头为自己的新片作准备，再度回到了个人化**的道路上。一般认为，在他与卡罗的搭档中，卡罗更擅长于画面效果的制造，而儒内则偏重于演员的指导调控和人物形象的塑造。而这次他选择了“阿梅丽·布兰”这样一个角色作为影片的中心无疑正发挥了所长。

儒内为这部**作了充分的前期工作，尤其是非常注重片中一些微小不起眼但极具感染力的细节的处理，那些妙趣横生的细节都是源自他自己以及所收集的一些真实生活的趣事，是几年来悉心观察记录的结果。

女主演奥德丽·多杜是法国**界的一颗新星。1999年她出演的《维纳斯美容院》（Venus Beaute Institut）是法国当年极受好评的一部轻喜剧，获得了当年恺撒奖最佳影片。而多杜在其中扮演年轻的美容师玛丽，和一位六十岁的前任飞行员堕入了爱河，她的表演赢来了恺撒最有前途新人奖。而后2000年，她又与樊尚·佩雷、芳妮·阿尔丹（Fanny Ardant）两位大明星共同主演了喜剧片《浪荡儿》（Le Libertin），进一步得到关注。

影片男主演马修·卡索维茨来头也不小。他当导演的名气恐怕比当演员更大。他执导的《怒火青春》（La Haine）摘取了戛纳**节最佳导演奖，而去年法国的本土卖座大片《赤色追辑令》（Les Rivières pourpres）也是他的手笔。作为演员，我们则可以在《善意的谎言》（Jakob the Liar）、《第五元素》等影片中看到他的身影。 [评论反响]儒内以敏锐的洞察力捕捉到了一些富有意味、优美的时刻，那些发自真实生活但又被赋予了浪漫诗意的细节使整部影片细致动人，具有强烈的感染力。影片比他过去的作品更加温情，更加细腻了。

这部影片也是儒内以最佳方式传达出了无尽的乡愁，对孩提时代的巴黎、梦想中的巴黎的眷恋。

这其实不是一部完全快乐的**，它饱含着忧郁哀伤和苦乐参半的情调。它描写了一群孤独的人，他们在交流沟通上困难重重，生活破碎不堪，充满了挫败感。在其浓郁的幻想色彩和奇妙的想象力之下，是对现实生活和苦乐人生的与观照。儒内镜头中的巴黎虽然是理想化的，但仍然有其现实色彩。阿梅丽或许是理想化、风格化的人物，但她的每一部分正来自于日常生活中的每个平凡人，她就在我们身边。

儒内将法国诗意**的传统与个人风格完美地统一起来，我们仍然可以从影片中找到儒内式的黑色幽默和古怪创意，但我们也能够发现普列维、卡尔内等老一辈导演的影子。

可以说，儒内凭借这部影片成功地东山再起。影片在法国上映后，掀起了一波观看热潮。放映六周创下了$2800多万的票房佳绩，虽然和好莱坞的大片相比，这个成绩不算什么，但对于法国本土**来说，已属不易。

有意思的是，对于这部**，人们的看法几乎走向了两极。喜欢者疯狂地迷恋，而讨厌者则毫不客气地鞭笞。如爱丁堡**节的艺术指导将此片选为开幕**：“我再也找不到比它更欢快的影片来开幕，找不到更好的作品为以下的两个星期定下基调了。”而在.filmfestivals网站上的影评人则一点也不吝惜地把“全年最佳**”极早地颁给了它。但也有不少评论家以相当刻薄的语调指责影片幻想色彩过浓，并没有如实地反映巴黎的现在，更多地仍沉溺在怀旧中，缺乏现实主义力量。反面意见中虽然也不乏中肯之词，但有相当一部分实在有欠说服力。如有人竟然对影片冠之以“法西斯**”之名，理由是它所描绘的巴黎像50年代的巴黎——在大街上没有一个外国人，根本就无视法国文化的多元性。这样的评价多少有些牵强附会。

《漫长的婚约》(A Very Long Engagement)

原 片 名Un long dimanche de fian?ailles

英 文 名A Very Long Engagement

中 文 名漫长的婚约

出品公司华纳独立**公司 Warner Independent Pictures

出品年代2004

首映日期2004年10月27日）

IMDB链接://.imdb/title/tt0344510/

IMDB评分7.6/10 (1,133 votes)

国 家法国/美国

类 别剧情

导 演奥黛丽·塔图 Audrey Tautou

**演员 奥黛丽·塔图 Audrey Tautou

加斯帕德·尤利尔 Gaspard Ulliel

多米尼克·皮诺 Dominique Pinon

朱迪·福斯特 Jodie Foster

恰特·纽沃斯 Chantal Neuwirth

对白语言法语

内容简介

未婚妻的漫长等待

法国女孩玛蒂尔德在童年三岁时从上摔落，从此落下残疾，成了跛子。她与儿时同伴马纳什两小无猜，青梅竹马。光阴荏苒，长大成人的两人更是情深意笃。随着第一次世界大战的蔓延，马纳什应征入伍，参军之前，马纳什和玛蒂尔德已顶下了婚约。

在炮火纷飞的法国索姆前线，马纳什和其他四名惧怕战争的青年集体开枪打伤自己的双手，希望以此逃脱血腥的恶梦。他们的行径后来被人发现，并受到了军事法庭的审判。这五名逃避战争的伤兵被发配到德法两军之间的蛮荒之地接受惩罚，交战双方的密集火力几乎不会给他们任何生存的机会。

玛蒂尔德收到一封来自部队的信，信中向她告知马纳什的遭遇，并将马纳什写入了死亡名单。在家乡遥遥等待未婚夫回家结婚的玛蒂尔德不愿承认悲惨的命运，她的直觉告诉自己，倘若马纳什真的离她而去，她一定会感应得到。虽然战争的硝烟已经散尽，而玛蒂尔德却要开始一段艰辛的心路旅程。

在接下来的两年里，玛蒂尔德每天都要反复阅读马纳什生前从战场上给她寄来的70多封信，期待马纳什某天突然出现在自己面前。而她每接近事实一步，她的心就越发支离破碎，她开始想象马纳什是如何艰难的度过最后的时刻，那些情景如同尖刀划过心房。然而，玛蒂尔德仍然坚韧不舍。

坚定的信念、迫切的希望和倔强的调查使玛蒂尔德逐渐看清事实的真相，她将有帮助的信息串连在一起，开始发现这五名不幸的士兵和残酷惩罚的背后鲜为人知的一幕。玛蒂尔德深感战争的恐怖，腥风血雨让参与其中的人们留下终生不灭的烙印……

热点

提起让-皮埃尔·热内和奥黛丽·托图，你一定会想起2001年反响不俗的《天使艾米丽》，这部在当时口碑坚挺的法国片着实引起了一阵不小的法国**热。今年原班人马打造的《漫长的婚约》更是未及公映就已好评如潮。片中角色众多，足足超过200个，更有久未谋面的朱迪·福斯特加盟，虽然戏份不多，但仍是该片炒作的热点之一。

《漫长的婚约》被誉为“三年来最佳法国**”，虽然错失9月30日前上映的奥斯卡最佳外语片选送时间，但仍有可能被美国华纳推荐竞争明年的奥斯卡最佳影片。影片耗资约5000万美元，场面壮观，气势恢弘。导演热内一反其热衷的超现实主义浪漫风格，转而刻画战争的残酷和沉重、忧郁的人性，同时在视觉上保持了令人瞠目的原创性和震撼力。

鬼才导演和天使演员

让-皮埃尔·热内最开始从事电视广告和片段的制作。1991年，热内和搭档马克·卡洛完成了第一部长片《黑店狂想曲》，这部开山之作获得了恺撒奖的四个奖项，其中包括最佳新锐导演奖和最佳场景奖。《黑店狂想曲》的成功甚至让热内和卡洛本人都很惊讶。欢欣鼓舞的两人随后又完成了一部影片，梦想了10年之久《童梦失魂夜》。19年，热内到美国拍摄了异形系列**的第4部《异形：浴火重生》。2000年，他回到法国拍摄了具有超现实主义浪漫风格的**《天使艾米丽》，该片获得了法国**史上空前的成功，成为当时法国票房最高的**，并以3300万美元的票房成为历史上在美国票房最高的法国**。

2001年在为《天使艾米丽》选角时，热内看到奥黛丽·托图的第一反应不是艾米丽，而是玛蒂尔德。后来《天使艾米丽》获奥斯卡奖提名，在参加奥斯卡颁奖典礼时，热内问托图：“你还想和我拍一部影片吗？”尽管托图当时并没看过《漫长的婚约》，但她仍然肯定的说：“没问题！只要还是《天使艾米丽》的这个剧组。”事实上，《漫长的婚约》的主创人员，从编剧、摄影、音响、化妆等等，到大大小小的配角，都是《天使艾米丽》的原班人马。

托图本人也非常喜欢玛蒂尔德这个角色：“玛蒂尔德的乐观和坚毅令我吃惊。我觉得自己一直是个喜欢嘻嘻哈哈、比较容易沮丧的人，而拍摄这部影片时，我觉得自己变得严肃和坚强了许多。这是我第一次感受到角色对我本人的行为方式产生切切实实的影响。”

《放牛班的春天》(Les Choristes)

原名：Les Choristes

英译名：The Choir Boys

中译名：《唱诗班男孩》

编导：克里斯托弗·巴哈提亚(Christophe Barratier)

主演：杰勒德·尊诺(Gerard Jugnot)

雅克·佩兰 (Jacques Perrin)

戴迪亚·费拉蒙(Didier Flamand)

类型：剧情/音乐

首映：2004年3月17日

发行：米拉麦克斯公司 Miramax

内容介绍

世界著名指挥家皮埃尔·莫安琦(Pierre Morhange，雅克·佩兰饰)重回法国故地出席母亲的葬礼，他的旧友(戴迪亚·费拉蒙饰)送给他一本陈旧的日记，看着这本当年音乐启蒙老师克莱门特(Clement Mathieu，杰勒德·尊诺饰)遗下的日记，皮埃尔慢慢细味着老师当年的心境，一幕幕童年的回忆也浮出自己记忆的深潭……

克莱门特是一个才华横溢的音乐家，不过在1949年的法国乡村，他没有发展自己才华的机会，最终成为了一间男子寄宿学校的助理教师，这所学校有一个外号叫"水池底部"，因为这里的学生大部分都是难缠的问题儿童。到任后克莱门特发现学校的校长(Francois Berleand饰)以残暴高压的手段管治这班问题少年，体罚在这里司空见惯，性格沉静的克莱门特尝试用自己的方法改善这种状况，闲时他会创作一些合唱曲，而令他惊奇的是这所寄宿学校竟然没有音乐课，他决定用音乐的方法来打开学生们封闭的心灵。

克莱门特开始教学生们如何唱歌，但事情进展得并不顺利，一个最大的麻烦制造者就是皮埃尔·莫安琦(Jean-Baptiste Maunier饰)，皮埃尔拥有天使的面孔和歌喉却有着令人头疼的性格，谆谆善诱的克莱门特把Pierre的音乐天赋发掘出来，同时他也与皮埃尔的母亲产生了一段微妙感情。

幕后介绍

当克里斯托弗·巴哈提亚完成执导首部短片后，他便积极找寻一个好故事拍摄其首部**长片，原来他心底里早已认定这部**必须与其4至8岁的童年经历有关，而且最好以音乐为主题，因此这个组合自然让他想起7、8岁时看过的音乐**《A Cage of Nightingales》，当年他深受这部作品感动，虽然30多年后的今天他已把片中大部份的情节都忘记了，但**的魅力及神髓依然长留心底，因此决定把这部1945年旧作重拍。

主角人选众里寻他

巴哈提亚一开始便不想单单起用一个儿童演员，他希望找一位真正的歌手演绎主角皮埃尔。虽然他知道这个人选并不易找，但仍一直努力搜寻。在2003年3月，他与制片人游遍全国，终于在位于里昂斯的圣马克学校儿童合唱团中发现了拥有悦耳声线及样貌讨好的十二岁男孩Jean-Baptiste Maunier，巴哈提亚邀请他试镜后，便立刻锁定他是饰演主角的最佳人选。

而挑选片中其它合唱团成员时，巴哈提亚也不想起用专业的儿童演员，他透过工作人员从拍摄场地附近的小学及初中找来二千名有潜质的儿童试镜，最终挑出了65名8至13岁、没有演戏经验但自然率性的孩子。而本片监制雅克·佩兰的儿子Maxence也是首度参与**演出，他在片中扮演主角好友Pepinot的童年。

创新音乐突破传统 正如为本片配乐的Bruno Coulais所言，音乐是本片的主题，所以导演克里斯托弗o巴哈提亚早在2002年9月**开拍前9个月，就开始与Coulais制作本片的音乐部份，巴哈提亚希望尽量避免出现一般儿童合唱团的感觉，唱着圣诞颂歌似的传统歌曲，他要求音乐充满强劲的感觉，而且要差不多全部都是原创，最终他们二人为**合力创作了多首歌曲。

巴哈提亚接受访问时说：“由于我们在故事中所听到的音乐是来自音乐老师Clement Mathieu这个角色，所以我们根据角色的演化在音乐的类型上作出相应改变。拍摄这部**就像制作一部音乐剧。”Coulais则表示担任本片合唱团指挥的Nicolas Porte给予很大支持，当然更重要是孩子们在音乐上的出色表现。经过大家努力尝试后，**未开镜前歌唱部份已灌录完成，最终再加上悠扬悦耳的管弦乐衬托。

《第八日》(The Eighth Day)

原 片 名The Eighth Day / Le Huitième jour

中 文 名第8日/ 幻海情缘

出品年代1996

IMDB链接 ://.imdb/title/tt0116581/

国 家法国/比利时/英国

类 别剧情

导 演雅各 范 多梅尔 Jaco Van Dormael

分 级Argentina:13 / Chile:14 / Portugal:M/12 / Singapore:PG / Spain:13 / Sweden:11 / UK:PG

获奖情况第四十九届戛纳**节最佳男演员 (丹尼尔．奥特尤尔)

金球奖 最佳外语片 提名

法国恺撒奖 最佳男演员 提名

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内容简介

乔治得了唐氏综合症，住在一个机构。亨利是一个繁忙的商人，总把讲义做为礼物给年轻积极的推销员，他的经营生涯是非常成功的，但他的社会生活却很糟糕，自从他的妻子带着他们的两个孩子离开了他。这个周末，他的妻子和孩子要来看他，但是亨利却象往常一样的工作，而忘记了去接她们。他的妻子和孩子都不想再看见他，亨利痛苦生气的在乡间的小路上乱开着车。其他所有的人都和自己的父母回家了，但由于他的妈妈已经去世了，所以他不能象他们那样。从那个机构回来的路上，他跑的几乎比乔治还快。亨利试图除掉乔治，但他不能离开他的新朋友，最终他们有了一份特殊的友谊，这份友谊使亨利成为了一个截然不同的人。

影片的开头，乔治（弱智少年）说：

很久以前，没有东西，只有音乐。

第一天，有了太阳，它很刺眼，后来有了地球。

第二天，大海出现了，它会弄湿了脚，风很舒服。

第三天，有了唱片。

第四天，有了电视。

第五天，有了草坪。你要是剪它，它就会哭。你必须对它好，对它说好话。摸一下大树，你就会变成大树。如你闭上眼睛，你就会成为一只蚂蚁。

第六天，出现了男人，五光十色的男人。我喜欢女人，因为你亲她们的时候，她们不会刺痛你。他们结婚了，下了，是个男孩，他们叫他：乔治

第七天，是星期天，该休息了。

第八天，乔治遇到了哈里。

影片的结尾，亨利说：

很久以前，什么都没有，只有地狱。

第一天，有了太阳，它很刺眼。

第二天，有了水，它会弄湿脚。

第三天，有了草坪，你剪它的时候，它会哭。你必须对它好，说好话给它听。要是你摸一下树，你就会变成大树。

第四天，有了牛，它们喘气的时候，发出热气。

第五天，有了飞机，即使你不乘坐，它一样从头顶飞过。

第六天，有了人。男人，女人，孩子。我喜欢女人，因为你亲她们的时候，她们不会刺痛你。

第七天，为了休息，有了云。如果你久久地注视它们，你会发现里面有很多故事。然后，他觉得一切都有了。

第八天，他创造了乔治。乔治很棒！

影片开始的时候，因为新奇而关注！

影片结束的时候，因为感动而回味！

法国影片《第八天》，充满田园迤逦风光的画面，一个找不到快乐的、孤独的中年男人和一个让你感染快乐的弱智少年的不期而遇，引发了那种让你想找回纯真与快乐的思考。

你还记得是什么能让你快乐吗？你的纯真年代离开你多久了？

当你面对烦恼的时候，有什么是可以让你感到轻松的东西？

当你孤独的时候，你会去拥抱什么？

每个人都是快乐的源头，当你给与别人快乐的时候，你也得到了别人给予的快乐！

和你所爱的人分享笑声，是多么有趣的事！这是一种分享心灵的方式。

换一种心情，才发现----原来事情没那么糟。

想哭就哭，想笑就笑。

……

《帝企鹅日记 》March of the Penguins

片名：March of the Penguins

译名：帝企鹅日记

更多译名：小企鹅大长征 企鹅的三月

导演/编剧：吕克·雅克特 Luc Jacquet

配音：摩根·弗里曼 Morgan Freeman

夏尔·贝尔林 Charles Berling

罗马内·贝林 Romane Bohringer

类型：纪录

片长：80分钟(美国)/85分钟(法国)

国家/地区：美国/法国

级别：G级

发行：华纳独立影片公司 Warner Independent Pictures

上映日期：2005年7月24日(美国)

官方网站：.marchofthepenguins

IMDB评分：8.1/10 (1,224 votes)

推荐指数：★★★★

剧情简介

每年冬天，在一片冰川、荒凉孤寂的南极洲上，生存着一群不畏寒冷的族类：皇帝企鹅。南极洲是一个终年寒冷的地方，它每年三月便开始进入寒冬，并将持续九个月的时间。于是每年的三月，成千上万的皇帝企鹅离开它们的海洋家园，以轻巧的动作跃上岸，一开始以圆滚滚的肚皮在地面滑行数十公尺，最终用蹒跚的双脚在冰面上行走。为了寻找一个安全的环境，以便繁衍后代、延续种族生存，企鹅们不得不放弃海里的悠然生活，冒着昏天黑地的冰风暴，踉踉跄跄、如婴儿学步一般地开始一段漫长而艰辛的旅程。

由天性和南十字星座的引导，它们准确无误地向着自己的出生地前进。伴随着一系列难以理解的舞蹈、和嘶鸣一种令人入迷的不和谐音调，企鹅们开始了求爱仪式，很快它们就会形成一对一对的“夫妇”。

白天越来越短，气候也越来越恶劣，雌性企鹅会停下来一段时间生蛋。之后，精疲力尽的它还不能休息，必须要立即启程继续赶路，返回大海以恢复体力并寻找食物。旅途并不是一帆风顺的，贪婪的海豹无时不刻在对它们虎视眈眈，于是企鹅爸爸就会留下来保护那些珍贵的企鹅蛋，它们将蛋孵在自己的脚掌上面以保持温暖。

企鹅爸爸在经过不吃不喝的两个月的坚守之后，蛋终于要孵出来了。当企鹅宝宝们迫不及待地想见到这个全新的白色世界时，爸爸储存的食物却不能支持太久，如果企鹅妈妈不能尽快地将海里的食物带过来的话，幼小的宝宝们就可能会夭折。

当企鹅妈妈回来之后，父母的角色就转换了，母亲就将接替饥饿、虚弱的爸爸来照顾宝宝，而宝宝也要面对巨大的海燕的威胁。气候一天天变暖，浮冰也渐渐融化，企鹅们也一次次地继续它们的旅程，在地球最险峻的地方徘徊，直到企鹅宝宝第一次尝试潜入南极的深深海水中……